1.-TEXTURAS

La textura de la pintura es aquella que da forma y volumen a distintos tipos de creaciones artísticas plasmados en un lienzo o papel. Puede haber varias escalas para clasificar la textura como el relieve, las líneas, la forma en que se expresa la pintura, etc.

La textura es un atributo táctil, es lo perceptible a través del sentido del tacto. Más allá de la impronta visual. Forma parte del lenguaje de la pintura, en el sentido del carácter del discurso. Comienza por la textura del propio lienzo, la calidad del hilo el número de su entramado.

Un lienzo fuerte, grueso reclama texturas sólidas, resueltas, decididas. Reclama trabajo con la espátula y pinceles de cerdas duras, eso no se haría con un entramado de lino donde los pinceles de abanico y pelo de marta dejan apenas su huella perceptible.

Créditos:ARTOSKETCH

2.- CABELLO

Como bien sabes, en un dibujo el cabello es una de las partes más importantes ya que éste da mucho estilo y personalidad a tu dibujo. También es cierto que es una de las partes más complicadas a la hora de dibujarlo para que aparente realismo.

Ésta parte del cuerpo es tan importante ya que ocupa una gran parte de nuestro papel o lienzo y suele ser lo primero en lo que nos fijamos al ver un retrato o un personaje dibujado.

Existen muchos tipos de cabello además de diferenciar entre dibujar pelo o cabello femenino y masculino. Hay muchas texturas, peinados y formas distintas. En este artículo intentaremos explicarte el mayor número de estilos de cabello y lo más claro posible.

Créditos:

Dave Navarro ART

3.-VESTUARIOS

A la hora de saber cómo aprende a dibujar ropa o cualquier tipo de tela hay que tener ciertas consideraciones.

Estas consideraciones son por ejemplo hacia cuál dirección va la tela, si quieres que la tela esté en movimiento o no.

Son estos pequeños factores a tener en cuenta a la hora de dibujar telas y el resto te resultará bastante sencillo.

Otro aspecto importante es la silueta de la persona que está debajo de esa ropa, esto definirá también como irá dibujada las prendas que durante el artículo te estaré mostrando paso a paso.

Créditos:Bgm94

1.-CUERPOS

Simple, aprender a realizar la figura humana en su máxima expresión, es realmente una tarea que conlleva una buena cantidad de técnicas del dibujante y muchas prácticas.

Como ves, se trata de esquemas sencillos de dibujar pero capaces de expresar la proporción y el movimiento del cuerpo humano.

Es una práctica que proviene de los estudios de anatomía que tradicionalmente realizaban los artistas. Conocer mejor la anatomía permite anticipar qué volúmenes, qué tensiones y qué equilibrio se producen en el cuerpo humano al moverse.

Créditos: Arte Divierte

2.-MANEJO DE COLORES

la teoría del color es un grupo de reglas básicas en la mezcla de colores para conseguir el efecto deseado combinando colores de luz o pigmento. La luz blanca se puede producir combinando el rojo, el verde y el azul, mientras que combinando pigmentos cian, magenta y amarillo se produce el color negro.
TEORIA DEL COLOR
El color es pues un hecho de la visióon que resulta de las diferencias de percepciones del ojo a distintas longitudes de
onda que componen lo que se denomina el «espectro» de luz blanca reflejada en una hoja de papel.
Estas ondas
visibles son aquellas cuya longitud de onda estáan comprendida entre los 400 y los 700 ómetros; maás allá de
estos liímites siguen existiendo radiaciones, pero ya no son percibidos por nuestra vista.
MODELO DEL COLOR

En su teoriía del color, Goethe propuso un cíirculo de color simétrico, el cual comprende el de Newton y los espectros complementarios. En contraste, el círculo de color de Newton, con siete ángulos de color desiguales y subtendidos, no exponía la simetría y la complementariedad que Goethe consideró como característica esencial del color.

Para Newton, sólo los colores espectrales pueden considerarse como fundamentales. El enfoque más empírico de Goethe le permitió admitir el papel esencial del magenta (no espectral) en un ciírculo de color. E

Para Newton, sólo los colores espectrales pueden considerarse como fundamentales. El enfoque más empírico de Goethe le permitió admitir el papel esencial del magenta (no espectral) en un ciírculo de color.

Créditos:
DibujaZos

3.-Luces y Sombras

Sombra:

Se utiliza para dar la sensación de volumen en dibujo y pintura. Existe una anécdota clásica (narrada por Plinio el Viejo y Quintiliano) sobre la invención de la pintura a partir de la reproducción de la silueta que marcaba la sombra sobre los muros; y que reproduce Murillo en uno de sus cuadros (Tuvo de la sombra origen la que admiras hermosura en la célebre pintura, 1660)

Luz:

El tratamiento de la luz en el arte es uno de los temas más importantes de las técnicas artísticas de cada una de las artes(especialmente las denominadas artes visuales); así como de la teoría del arte y de la estética. Ha sido abundantemente tratado por la historiografía del arte.

No solamente se limita a la representación de la luz y su opuesto (la sombra), sino que se extiende a la consideración de la iluminación adecuada que deben recibir las obras de arte en su exhibición (una función que cae dentro del ámbito de la museística y el comisariado artístico de las exposiciones de arte) e incluso al papel de la luz como parte esencial de determinadas obras de arte en sí mismas.

Créditos:
Juan Tudela

1.- BOCETOS

Aprenderás lo básico del Dibujo, dimensiones.

Los bocetos cumplen diversas funciones. Pueden ser, como «estudios» o «apuntes», dibujos más o menos detallados que plasmen formas concebidas por la imaginación del artista.
Un boceto puede estar ejecutado a mano alzada sobre papel, utilizando instrumentos de dibujo básicos (como la pluma o el lápiz y la goma de borrar), generalmente sin instrumentos de dibujo auxiliares.

créditos:
Creative Freya

2.- CARAS

Aprenderás la forma de los ojos, la boca, nariz y los oídos, y las expresiones faciales.

Pues lógicamente estamos hablando de un conjunto de proporciones que nos ayudan a dibujar una cara más o menos estándar, de medidas más o menos frecuentes. Esto no significa que todos los rostros tengan esas proporciones o que una persona sea más guapa si sus rasgos encajan en ese esquema. Simplemente marca unas proporciones medias basadas en la observación. Además no hay un sólo canon, sino varios, con lo que la cosa se complica si pretendemos usarlos para establecer un modelo de belleza.

Los cánones son simplemente herramientas que nos ayudan a dibujar la típica cara que podría parecerse a cualquiera y a nadie en concreto. Sirve para crear retratos imaginarios, y también para, comparando las proporciones de una persona con el esquema, ayudarnos a dibujar retratos reales con facilidad.

Créditos:piyoasdf

3.-MANOS

Aprenderás a dibujar las manos en base en simetría .

Simplemente porque dibujar una mano implica saber reproducir todas las posiciones que puede adoptar. No se trata solamente de dibujar una mano abierta, sino también de dibujarla desde todos los ángulos y en diferentes posiciones. La mano, al igual que la cara, es un elemento esencial en un dibujo. Es una parte muy expresiva del cuerpo. Por tanto, es esencial saber transmitir todos los detalles, los volúmenes y la impresión de movimiento.

Créditos:
Domerelly